Sociedad Doctor Alonso

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ANARCHY

Es un experimento entre el kaos y el orden. Evidentemente la experiencia no es inocua y es muy compleja, se podría resumir en "si quieres silencio tienes que trabajarte-lo", o "haz lo que quieras". Esta toma de poder no es nada sencilla. Uno desde que nace está ligado a sus circunstancias y depende de los demás para, ya desde la infancia, conseguir cosas tan vitales como el alimento o el calor. Nosotros (SDA) dependemos del público y también de los teatros y los gobiernos para hacer funcionar nuestras obras. Esto, que es una interdependencia social, no convierte ni al público ni a los teatros ni a los gobiernos en nuestros dueños. El problema del gobierno es que está hecho para mandar, para administrar y para regir nuestras acciones. El arte es un medio homogéneo donde poder experimentar o reproducir ciertos estados, ciertas suposiciones. En definitiva donde poder cagarla. Nos gustaría llevar esta pieza al espíritu del live-arte, donde la experimentación es el hecho esencial, no como un acto estético sino como un hecho constitutivo de la obra, del acto de ir al teatro. El público tiene la palabra, tiene el ruido y tiene el silencio. Cada acción es responsable. Mediante el sonido se manifiesta que la ausencia de sonido y la ausencia de acción también es una decisión propia.

Dirección: Sofia Asencio
Dramaturgia: Tomàs Aragay
Creación/coreografia: Sofia Asencio
Creación e interpretación: Semolina Tomic
Iluminación i espai escènic: CUBE
Espai sonor: Marc Navarro
Producció: Imma Bové
Comunicació i distribución: Tomàs Aragay tomasragay@gmail.com

Espectáculo coproducido por el festival TNT - Terrassa Noves Tendències

Con la colaboración del Ajuntament de Bàscara y Antic Teatre

Y los huesos hablaron

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Hechos sangrientos, desapariciones, exterminio de culturas enteras... A los dos lados del Atlántico se han producido hechos como éstos. Por ejemplo en la España de la Guerra Civil, los desaparecidos aún esperan ser exhumados, y en Méjico donde pueblos enteros han sido aniquiladas en bene cio de una supuesta unidad de la patria. Un colectivo escénico catalán y otro mejicano utilizan las palabras y también el cuerpo como instrumento para re flexionar sobre estos hechos pero, específicamente, sobre cómo se han explicado posteriormente a las poblaciones de cada país, creando narraciones falsa e interesadas que esconden realidades crudas y sangrientas.
¿Es éste, entonces, un espectáculo sobre el pasado? En parte sí, pero también sobre el presente, porque los mecanismos de invisibilización de los con ictos siguen funcionando y pretendiendo ahogar unas realidades poco visibles pero presentes, que siguen originando aún hoy tensiones políticas y sociales.
Es una propuesta escénica gestada en talleres y residencias en España y Méjico que nace del proceso de investigación de "El desenterrador", una experiencia en la cual se investigaba la "corpología" de las palabras o, dicho de otra forma, la capacidad que tienen las palabras de generar un mundo ético, un sistema político y un orden social concreto.

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Societat Doctor Alonso y Teatro de Babel
Dirección
Sofía Asencio y Aurora Cano
Dramaturgia
Tomàs Aragay y Camila Villegas
Creación e interpretación
Nilo Gallego, Hipólito Patón, Ramon Giró y Lluc Baños
Invitado especial
René Pacheco (Associació per la Recuperació de la Memòria Històrica)
Escenografía
Lluc Baños
Vestuario
Societat Doctor Alonso
Diseño de iluminación
Cube.bz
Diseño de sonido / concepción sonora
Nilo Gallego, Ernesto Anaya
Asesoramiento conceptual y filosófico
Jordi Claramonte y Nicolás Alvarado
Producción
Imma Bové y Mariana Tejeda
Comunicación y distribución
Maja Cecuk / Societat Doctor Alonso (España) y Teatro de Babel (México)

Andrei Rublev, una paniconografía

Este trabajo quiere generar un repertorio de iconografías del cuerpo humano, y al mismo tiempo trabajar con el sonido y la escenografía como símbolos del paisaje.

Andrei Rublev toma como punto de partida y título la película de Andrei Tarkovsky rodada en 1966, donde el pintor iconoclasta Andrei Rublev (1360 - 1427) realiza un largo viaje en la Rusia medieval para pintar los frescos de la catedral de la Asunción del Kremlin.

La obra del singular pintor, con su estilo iconográfico único, provoca en el espectador un impacto y recogimiento interior debido al uso de la perspectiva invertida, que nos habla del arte no como un retrato de la realidad sino como una realidad entre las realidades.

Ficha artística
Dirección: Tomàs Aragay
Dramaturgia: Tomàs Aragay
Coreografía: Sofia Asencio
Creación e interpretación: Sofia Asencio y Nazario Díaz
Espacio escénico e iluminación: CUBE. SZ
Producción: Imma Bobé

Espectáculo co-producido por Temporada Alta y el Festival Alto de Vigo.
La Sociedad Doctor Alonso recibe la ayuda del ICEC y el INAEM .

El desenterrador

EL DESENTERRADOR

Este es un proyecto de creación e investigación escénica alrededor del cuerpo y las palabras. Un proceso de investigación llevado a cabo por un equipo multi-disciplinar, que se ha implementado en una serie de residencias-talleres en distintos lugares de España y Sudamérica.
Proceso que se va ha continuar durante  los años 2015-2016 con la creación y estreno de una pieza escénica y la implementación de un nuevo dispositivo de instalación-viva de formación y pro-común que lleva por título la excavación permanente.
El desenterrador pone la mirada en la palabra, su corpología y su relación con el cuerpo y la acción.
Como su nombre indica es una herramienta que sirve para desenterrar palabras en sentido real y figurado.  Trabaja con palabras en desuso, palabras cuyo significado ha cambiado, palabras referidas al sistema ético y moral, y palabras tabú.
La corpología de las palabras es aquella propiedad que tienen no solo de crear y señalar el mundo físico, sino la de generar un mundo ético, un sistema político y un orden social.
Este proyecto quiere indagar en la estrecha y cambiante relación que se produce entre las palabras y su uso, y las acciones que de ellas se derivan. Una relación de ida y vuelta que da sentido y cuerpo a nuestra forma de habitar el mundo.
En estos momentos en los que parece que el lenguaje tiende a la simplificación, a la sinterización (vía tecnología) y a una cierta globalización queremos parar y observar este proceso con detenimiento para mirarnos y mirar de entender dichos procesos y sus consecuencias en nuestros cuerpos y nuestra forma de accionarlos.
Este proyecto lo hemos  desarrollado hasta hoy con la colaboración intensiva de : Jordi Claramonte, Jaime Conde Zalazar, Barbara Sanchez and Silvia Zayas.

web El Desenterrador

La naturaleza y su temblor

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La naturaleza y su temblor es un mecanismo de intervención escénica en el espacio público que a partir de las herramientas del teatro, la maquinaria teatral y el cine e interviniendo directamente sobre el espacio público y la realidad, quiere despertar en el espectador posibilidades de percepción que le hagan mirar, descifrar y comprender la realidad de otra forma.

 

 

introducción a la introducción

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Qué mueve al pañuelo?
El aire / El ventilador
Qué mueve al pañuelo?
El ventilador / La música
Y que mueve el aire?
El pañuelo?
Quién mueve a Nina Simone? ...
Qué mueve el ventilador?
El aire / El pañuelo
Quién mueve al pañuelo?
El ventilador / La electricidad
Qué mueve el aire?
El pañuelo? / Tu pelo / El ventilador / Nina Simona / El pañuelo
Qué te mueve?
El aire / El ventilador
Quién mueve el ventilador?
El teatro (...) / El pañuelo / La electricidad
Qué mueve el Teatro (...)?
El ventilador / La electricidad / Su público? /El pañuelo / El aire / Tus ojos
Quién mueve el pañuelo?
El ventilador / Tus ojos / El aire
Qué mueve el pañuelo?
El aire
Quién mueve el pañuelo?
El ventilador / Mis pestañas
Qué mueves?
El pañuelo / El aire / Las manos
Qué mueve las manos?
La electricidad / El sonido
Qué mueve el sonido?
El pañuelo / Nina Simone

*foto : Maria de la Camara, Urska Boljkovac

 

Introducció a la introducció


dirección: Tomàs Aragay
creación e interpretación: Sofia Asencio
espacio escènico e iluminación: CUBE. bz
producción: Imma Bobé

*foto : Maria de la Camara, Urska Boljkovac

con la colaboración de :
BUNKER, Liubjiana
L'Agora de la Danse, Montreal
Teatro Pradillo, Madrid

con el soporte de la Generalitat de Catalunya y el INAEM

 

 

Club Fernando Pessoa

"Cuantas veces yo mismo, que me río de semejantes seducciones de la distracción, me encuentro suponiendo que sería bueno ser célebre, que sería agradable ser mimado, que sería brillante ser triunfal" Fernando Pessoa

La desolación o crudeza de la mirada de Pessoa y de sus pensamientos llevan al lector a un estado próximo a la introspección seria. En escena, pero, la Societat Doctor Alonso genera un tono humorístico y poético que permite destacar la increíble capacidad de Pessoa por describir el gran ridículo que, sin duda, rodea nuestra existencia en la mayor parte de momentos.

Un mundo de personas-personajes que encuentran en Pessoa el refugio adecuado para leer el mundo, en cierta medida hostil e incomprensible, en el que nos tocó vivir. Unos solitarios que se hacen compañía y encuentran su escondite en este pequeño y ridículo club de fans del escritor portgués.

Dirección y dramaturgia: Tomás Aragay
Intérpretes: Sofía Asencio, Mia Esteve, Ramón Giró
Voz en off: Luis Carlos Viejo.
Espacio sonoro: Nilo Gallego
Espacio escénico e iluminación: CUBE.bz
Producción: Imma Bobé

Una co-producción del Teatre Lliure, la Societat Doctor Alonso y El Concello del Ferrol, para el ciclo Radicals Lliure.
La SDA recibe el apoyo del ConCA-Departament de Cultura de la Generalitat, el Insitut Ramon Llull y el INAEM.

La Glorieta

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La Glorieta(laboratorio de creación)
Plaza donde desembocan por lo común varias calles o alamedas.
Gloria pequeña.
Un proyecto de la Societat Doctor Alonso. 2011
Una reunión de una serie de artistas descatalogados para trazar un mapa común sin la obligatoriedad de encauzar nuestros intereses en una misma dirección.
Un superponer nuestros planos/planes, lenguajes y prácticas diversas, y con el resultado echar a caminar, a perdernos, y a partir de ahí mirar la realidad.
La Glorieta es una reunión de artistas que observan y describen a ciegas aquello que no ven.
Es una dispositivo que alude a la posibilidad de remirar la realidad, de activar un ojo personal y singular.
Mirar de nuevo aquello que ya no vemos, que se presenta en el dia a dia como un cuadro plano e insignificante. Volver a activar la mirada, una mirada decisiva y por tanto crítica ante la realidad y ante uno mismo.
Es una estrategia oblicua para abordar la periferia, la fantasmagoría y para desmontar nuestra posición de poder en el acto creativo.
Es una superposición de planos sobre una ciudad inexistente, hecha de los rastros que esos mismos planos dejan y algunos registros videográficos.
Por último es también un cineclub nómada.

Con: Tomás Aragay, Sofía Asencio, Chus Dominguez, Espe López, Idoia Zabaleta y artistas invitados.

Una coproducción de Azala espacio de creación escénica, Museo de Arte Contemporáneo de Vitoria Artium, CCCEscorxador de Elche, Centro de las Artes de Sevilla-Endanza y El Matadero de Madrid.
Con el soporte de: CoNCA (Generalitat de Catalunya), INAEM, Institu Ramon Llull (IRLL

 

Caldo Primordial

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Caldo primordial es una acción artística en un espacio determinado. Abstracta. No narrativa.
Duración: 30 min. aprox.

Idea: Tomàs Aragay y Sofía Asencio
Creación e interpretación: Sofía Asencio, Ramón Giró
Producción : Sònia Isart
Encargo de La Porta en el contexto de LP'11

Con el soporte del CONCA y el Ministerio de Cultura

 

Volumen II

Habitar el escenario siempre de una manera diferente es el objectivo de la compañía liderada por Tomàs Aragay y Sofía Asencio, que plantea ahora una pista de baile donde se mezclan un peculiar DJ, una mujer que baila y algunos accidentes poéticos, para mostrar lo menos espectacular: la poética de aquello patético.

Coproducción: Teatre Lliure, Societat Doctor Alonso i EADC
Dirección: Tomàs Aragay / dramaturgia Tomàs Aragay y Sofia Asencio / espacio escénico e iluminación CUBE/ espacio sonoro Nilo Gallego.
Intérpretes: Sofía Asencio / Nilo Gallego
Gestión y diseño de producción: Elena de la Vara / ayudante de producción Ariadna Cisquella
Distribución: Iva Horvat, iivahorvat@gmail.com
Con la colaboración de: Nau Coclea, Centre Cultural La Mercè de Girona y el Ayuntamiento de Pontós.
Agraiments Segi Faüstino
Con el soporte del Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya y el INAEM - Ministerio de Cultura.

 

Retratos o si yo fuera

Retratos o si yo fuera es una serie de retratos de cuerpos a través del cuerpo de una bailarina. Una apropiación del cuerpo del otro, de la identidad plasmada en el movimiento corporal. Un trabajo antropológico de los movimientos de los cuerpos de gentes anónimas de todo el mundo. Una coreografía, ritualización de movimiento particular e intransferible.

"Pero, mas allá de esta primera capa de observación objetiva del ser retratado, Retratos o si yo fuera es también un ejercicio de ciencia ficción, en el que hay, por un lado el espacio, los objetos y la vida real del ser retratado, y por otro, un cuerpo extraño, el mío, que lo suplanta.
Retratos nace del deseo de ser otro, de tener otro cuerpo, otra vida.
Finalmente al hablar de otro hablo de mi.
Esta perversión es la tensión que sustenta cada retrato."

Sofia Asencio

Dirección: Tomàs Aragay.
Interpretación: Sofía Asencio.
Realización de vídeo: Ivó Vinuesa (Margarita), Alex Reynolds (Marjorie,Katerina) y Tomàs Aragay (Mai, Ola, Marcela, Laia y Concha).
Marcos y soporte para la imagen: CUBE.bz.
Edición: Ivó Vinuesa.
Producción: Sònia Isart y Agnès Mateus.

Retratos o si yo fuera es un proyecto co-producido por: Instituto Cervantes e Institut Ramon Llull. Con el soporte de: INAEM, EADC y la  Diputación de Girona. Y la colaboración de: Nau Côclea (Camallera),  La Casa Encendida (Madrid),   La Porta (Barcelona), Panorama (Olot), Dança em Foco (Brasil), Maqamat (Beirut), Motus (Praga), Zawirowania (Varsovia).

Agradecimientos a Concha y Jose,  Mai y Elham, Laia, Margarita, Marcela y Tuigui, Marjorie y los alumnos de la clase de escritura creativa de la Universidasd la Salle de Manila, Katerina y Irka , Ola y a  todas las personas que han hecho posible este proyecto.

El Traspiés de Luisa

https://myspace.com/lasluisa

La Societat Doctor Alonso planea hacer un espectáculo sobre el error. Sofia Asencio propone a Idurre Azkue, Iva Horvat y Mia Esteve, las tres bailarinas y la actriz de la obra, formar una banda de pop. No saben tocar y disponen de dos meses. Pero deciden experimentar el error desde esta aventura. Parece un acierto. Pero, quizás, es un error. Pero si es un error sería un acierto. La única salida es mostrar al público el proceso tal como es: el espectáculo "El traspies de Luisa".
Primera parte, un documental y un ensayo.
Segunda parte un concierto del grupo "Las Luisa"

Dirección: Sofia Asencio.
Dramatúrgia: Tomas Aragay y Sofía Asencio
Asesor filosófico-musical: Oscar Abril Ascaso
Interpretación: Mía Esteve, Iva Horvat, Idurre Azkue y Sofia Asencio
Profesora de música: Barbara Van Hoestenberghe
Preparación física: Sofía Asencio
Espacio escenico e iluminación: CUBE.bz
Vestuario: Societat Doctor Alonso
Producción ejecutiva: Elena De La Vara
Distribución: Marta Oliveres Management, M.O.M

Un espectáculo coproducido por la Societat Doctor Alonso, el Mercat de les Flors y La Friche Belle de Mai (Marsella).
Con la colaboración del CC La Mercè de Girona.
Con el soporte de la EADC y el INAEM.

Santa Sofía, el solo de una ignorante

Cuando era pequeña primero quise ser monja. Después recuerdo que quería  ser una actriz de cine famosa. Y finalmente quise ser bailarina. Santa Sofía habla del sacrificio. No hay sacrificio sin un cuerpo. El dolor es el mensajero que nos sitúa en un presente real, sólo através de este podemos trascendernos. Nuestro cuerpo es arrogante y necesita que lo apaleen para perder el control mental y acceder así a un nuevo cuerpo.
Me gustaíra hablar de este nuevo cuerpo y para hacerlo es encesario que me enfrente a mis propias limitaciones.
Hablar de otra manera de disfrutar del cuerpo, de una trascendencia que nos permita difsrutarlo sin la sofocante y racional presencia de la mente.
Pero todo es no son más que palabras.
El personaje que habitará mi solo, es decir, yo misma, es alguien ignorante, alguien que todavía cree en los mitsterios.
Me propongo estudiar los misterios de la santidad, a ver qué passa.

Sofía Asencio.

Idea y dramaturgia: Sofía Asencio,Tomàs Aragay
Dirección: Tomas Aragay
Creación e interpretación: Sofia Asencio
Iluminación y escenografia: CUBE
Vestido de Santa: Mònica Bertran
Vestuario: Societat Doctor Alonso
Producción: Societat Doctor Alonso

Coproducido por la Societat Doctor Alonso, Bitó-Temporada Alta, L'Espai de Dansa de la Generalitat de Catalunya
Con la colaboración del Ayuntamient ode Sant Mori.
Con el soporte de la EADC y el INAEM.

Sobre la muerte

Sobre la muerte está protagonitzado por siete niños y niñas de entre cinco y doze años. Alumnos de las escuelas de Ventalló, Camallera y Celrá. Tres pueblos cercanos al lugar donde habita la compañía en el Alt Empordà (Girona).
Un espectáculo en qué los niños reflexionan en voz alta sobre las grandes cuestiones y dilemas que configuran la vida de los adultos occidentales del siglo XXI.

Es un canto a la vida, a la ingenuidad y a la ternura. Un espejo donde se refeleja irónicamente, la absurda complejidad argumental en la qué los occidentales han convertido su existencia.

Hablando de manera sencilla y clara, como lo hacen los niños, sobre la crueldad, la violencia, la política, la guerra o la soledad, através de un discurso construído con los mismos niños como base de las improvisaciones. En un espacio que recuerda al circo, creando un espacio para jugar, donde la proximidad del espectador es un factoor esencial.

Dirección: Tomàs Aragay
Dramaturgia: Sofía Asencio, Tomàs Aragay
Coreografía: Sofía Asencio
Interpretación: Patricia Ayuste, Lidia Ayuste, Jan Cabarrocas, Xènia Costa, Clara Farrés, Eduard Paredes, Zaïra Ros, Mar Vallès
Creación audiovisual: Ivó Vinuesa
Vestuario: Societat Doctor Alonso
Espacio escénic o e iluminación: CUBE.bz
Sonido: Marc Ases
Producción: Elena de la Vara

Una coproducción del Festival de Barcelona GREC y la Societat Doctor Alonso
Con la colaboración del Ayuntamiento de Sant Mori (Girona)
Con el soporte de la EADC y el INAEM.

 

Sobre la belleza

Un grupo de ocho personas anónimas, acompañadas por la música al piano de Agustí Fernández- delicada, silenciosa y frágil- ocupan el espacio con sus cuerpos, gestos y miradas viejas y llenas de la belleza que otorga el paso del tiempo.

Una pieza donde múscia y acción van a la búsqueda de la belleza que se esconde detrás del silencio, lejos del virtuosismo.

Idea original y dirección: Tomàs Aragay
Composición musical e interpretación: Agustí Fernández
Asistente de dirección: Sofia Asencio
Interpretación y creación: Agustí Álvarez, Salvador Buisan, Ubelsa Gutiérrez , Joan Muntaner, Gloria Virginia Pantoja, Josep Rodríguez, Neus Solé
Espacio escénico e iluminación: CUBE.bz
Técnico de sonido: Ferran Conangla
Vestuario: Societat Doctor Alonso
Asistente de producción: Marga Socies
Producción y management: Estefania Benages

Una Coproducción del Festival de verano de Barcelona Grec y la Societat Doctor Alonso
Con la colaboración de la Fundació Teatre Lliure - Teatre Públic de Barcelona

Shopping bread

Shooping bread es un duo de un hombre y una mujer que llevan años viviendo juntos. Un día cualquiera la pareja va a comprar el pan. A lo largo de este trayecto el espectáculo abre ventanas poéticas por las que entrevemos la realidad oculta de su relación.
Shooping bread pone su mirada en los pequeños detalles de la cotidianidad vistos a través del filtro del humor y de la paradoja bajo los cuales se esconde en todo caso la tragedia.

Dirección: Tomàs Aragay
Creación e interpretación: Sofía Asencio y François Forêt
Música original y en directo: Nilo Gallego
Escenografía e iluminación: CUBE.bz
Producción y distribución: Estefania Benages

Una coproducción del Espai de Dansa y la Societat Doctor Alonso con la colaboración del Centre Cultural Sant Mori y el Teatre de Salt (Girona)

Tomorrow will be like today

14 variaciones eróticas sobre la soledad

Tomorrow will be like today es un espectáculo que se fija en aquello que hay de "extraño" en los comportamientos humanos. En los rincones más oscuros e inesperados del comportamiento de las personas. Dos hombres y dos mujeres muestran al público los entresijos que normalmente no vemos.

Un espectáculo desamparado, en apariencia frío pero lleno de fogonazos inesperados, de pequeñas revelaciones desnudas, crudas y directas, que nos permiten atisbar los océanos emocionales, los deseos más oscuros, los caminos más extraños para acercarnos al otro y acercarnos a nosotros mismos. Un espectáculo que desvela lo cerca que se encuentran lo sublime y lo patético, lo triste y lo banal, lo serio y lo ridículo en nuestro comportamiento cotidiano.

Tomorrow will be like today, es un cuadro en permanente movimiento, una coreografía ininterrumpida, una serie de fotografías de la cotidianidad que se deforman por caminos extraños para revelar "la otra realidad", para dejar al desnudo lo que late debajo de la apariencia.

Dirección: Tomàs Aragay
Creación e interpretación: Sofía Asencio, Idurre Azkue, Xavi Estrada y François Forêt
Música original y en directo: Joan Saura
Escenografía e iluminación: Tomàs Aragay & CUBE,bz
Vestuario: Doctor Alonso
Preparación física: Iva Horvat
Producción: Agnès Mateus

Coproducción del Mercat de les Flors y el Centre Corégraphique de Rennes (Francia)
Con la colaboración del Ajuntament de Sabadell